Pueblos más bonitos de España: Villanueva de los Infantes

¿Que aún no saben por qué Villanueva de los Infantes (Ciudad Real) ha entrado en el selecto club de los Pueblos Más Bonitos de España?

Pues pasen y vean....

¿A que esperan para visitarlo...?

Westworld: robots, vaqueros y la singularidad

Veniii al parque, pekadoreees de la praderarrr...

La empresa americana HBO (Home Box Office) inauguró la actual época de esplendor de las series de televisión, con la imprescindible “Los soprano, 1999-2007”.  Para rematar la tarea, tres años después presentó “The wire, 2002-2008”, quizás la mejor serie de TV de todos los tiempos. También ha producido otras grandes series, como “A dos metros bajo tierra, 2001-2005), Sexo en Nueva York (1998-2004), la impresionante Band of Brothers (lo mejor en el género bélico), Roma, Tremé (genial su música) y una de mis favoritas, Deadwood, que por desgracia canceló por su excesivo coste.

Todas ellas y algunas más hicieron de HBO la reina indiscutible de la producción de calidad. Sin embargo, en estos años la competencia ha aumentado, con la entrada de otras productoras por cable o incluso de canales en abierto en la lucha por las mejores series. La HBO necesitaba un nuevo pelotazo, y lo consiguió con “Juego de Tronos”. Pero al estar terminando esta espectacular serie, se necesitaban más éxitos. Uno de ellos es “True detective”…y el otro gran éxito reciente, “Westworld”.

https://www.pastemagazine.com/blogs/lists/2015/05/the-best-hbo-series-of-all-time.html

Westworld está basada en la película clásica de ciencia ficción “Almas de metal” (1973), escrita y curiosamente también dirigida por Michael Crichton, el maestro del techno-thriller. En ella, un Yul Brynner más duro que nunca aterrorizaba a los visitantes de un parque temático dedicado al oeste, a la edad media y al mundo romano. Es el clásico tema de la revuelta de los robots, que no están dispuestos a tolerar más los abusos y las chorradas de los humanos.

https://en.wikipedia.org/wiki/Westworld_(TV_series)

La serie actual se queda sólo en el mundo del oeste, que recrea de una manera magnífica. Creada por Jonathan Nolan (El prestigio, el caballero oscuro, Interestellar) y Lisa Roy, aporta todos los elementos que configuran una gran historia de ciencia ficción, subgnénero robots, añadiendo además el atractivo del ambiente del oeste, con sus impresionantes paisajes y con todos los personajes típicos, que ya vimos en Deadwood. La serie añade más cualidades: una producción muy cuidada, unos actores estupendos (los más famosos como Ed Harris y Anthony Hopkins perfectamente acompañados por otros menos conocidos). A destacar Evan Rachel Wood, como Dolores, una sufrida robot, habitante de Westworld, cuya vida va a empezar a cambiar.... Y finalmente, la fotografía y una  música muy adecuada redondean cada episodio. Impresionante la pianola tocando Back to black de Amy Winehouse, y preciosa la analogía entre la máquina y el robot en esta escena que refleja todos los temas de la serie:

https://www.youtube.com/watch?v=jHrQL-tTGcE

Westworld aborda la creación de  inteligencia artificial, el nacimiento de la consciencia de las máquinas en la llamada “singularidad”, que podría cambiar la historia y la evolución. El nacimiento de la consciencia robótica pondrá en cuestión las motivaciones y la ética de los humanos, que no saldrán muy bien paradas en esta historia. Estupendas críticas para una gran serie que medita sobre los cambios tecnológicos y sociales de nuestra época a la vez que nos hace disfrutar de la narración. Robots y vaqueros, para que queremos más…

https://www.rottentomatoes.com/tv/westworld/s01/

The black cloud

Una nube pekadora se acerca peligrosamente a la tierra en la clásica novela de Hoyle

Rebuscando de nuevo entre los títulos de las principales novelas clásicas de ciencia ficción que aun no conozco, decidí leer “The black cloud”.

Fred Hoyle (1915-2001) fue un astrónomo británico dedicado al estudio de la fusión en el núcleo de las estrellas. Se educó en Cambridge, trabajó en los rádares de la Segunda Guerra Mundial, y tuvo una tendencia a poner en entredicho las teorías científicas aceptadas, como el Big Bang (al parecer acuñó la expresión de manera despectiva) También defendió la panspermia como origen de la vida en la tierra en su libro “The intelligent universe”.

https://www.amazon.com/Intelligent-Universe-Fred-Hoyle/dp/0030700833

Sus trabajos sobre las estrellas dieron lugar a la disciplina de la nucleosíntesis, que explica el origen de los elementos a partir del helio: elementos que son fundamentales para el origen de la vida.

http://www.elmundo.es/ciencia/2015/06/24/558a71c4ca4741504f8b4575.html

Sus logros científicos le llevaron a ser nombrado Presidente de la Royal Astronomical Society. En 1973 dio un giro a su vida, se mudó al precioso Lake District en el Noroeste inglés y se dedicó a escribir libros. Su novela “La nube negra”, en cambio, data de bastantes años antes. Tiene un comienzo clásico, mil veces repetido en la ciencia ficción posterior: un estudiante realizando aburridas tareas de apoyo en un observatorio americano realiza un descubrimiento sorprendente: una extraña masa de materia interestelar parece estar aproximándose a la tierra. La descripción de las placas fotográficas y de los aparatos para comparar campos estelares es magnífica, nos lleva a la época de la astronomía clásica de los 50.

http://pasion-por-la-cf.blogspot.com.es/2011/08/5-la-nube-negra-fred-hoyle.html

La aproximación de la masa oscura comienza a causar mucha preocupación cuando los científicos descubren un comportamiento inesperado…

Hoyle describe el mundo de la ciencia y su relación con el de la política, a la que no deja muy bien parada. Aborda temas delicados y momentos duros con cierto distanciamiento y humor, propone distintas teorías alternativas a la física y la biología (especialmente para la época), crea unos personajes interesantes, escribe de una manera elegante y entretenida, y divulga conceptos científicos de forma rigurosa.

Buena ciencia ficción en una novela que sigue aportando ideas.

PATERSON

Aunque no hay muertes, ni violencia, ni sexo, esta película no es apta para todos los públicos.

¿El motivo? Paterson es una oda a la normalidad y eso no vende. Estamos tan acostumbrados a que el cine nos cuente grandes gestas o historias tan fantásticas o extraordinarias, que la posibilidad de pasar 113 minutos viendo cómo transcurre la semana de un sencillo conductor de autobús, probablemente provoque un bostezo general en el público.

Paterson, el conductor, que vive en Paterson, el pueblo (sí, una de esas ocurrencias de padres que acaban suponiendo una pesada etiqueta para sus hijos) cada día madruga, desayuna un tazón de cereales (siempre los mismos), acude al trabajo (donde no suele ocurrir nada interesante), hace un descanso a la hora de la comida, vuelve al curro y cuando acaba su jornada regresa al hogar. Aunque son una serie de rituales que no por repetitivos dejan de resultar tiernos, se trata de un argumento que, posiblemente, a muchas personas no les resultará interesante porque es casi como contemplar tu vida a través del espejo. 

Esta película me trajo a la memoria La Náusea de Jean-Paul Sartre, en la cual Antoine Roquentin, el protagonista, escribe un diario en el que relata sus actividades diarias y da a conocer sus reflexiones más profundas sobre todo lo que le rodea. Su vida transcurre entre el trabajo y los paseos por la ciudad, con paradas en algún que otro parque o café que inspiren su pensamiento. 

¿Qué es la náusea? El ser humano cumple con la sociedad, respeta sus reglas, trabaja y no olvida sus responsabilidades. Al cumplir con su rutina acaba convirtiéndose en monótono y esa monotonía lo vuelve débil. Pensar únicamente en reivindicar la existencia (méritos y logros) ante los otros, produce en Sartre un profundo asco, una enorme repulsión hacia la cotidianidad, banalidad e hipocresía de la sociedad. No hay que demostrar nada a nadie. El hombre existe por sí mismo, no por los demás.

Creo que a Sartre le gustaría la crónica de Jim Jarmusch. Lo pienso porque Paterson es un cuento sobre esas pequeñas batallas que, calladamente y de manera individual, libramos cada día sin esperar a cambio otra recompensa que no sea nuestra propia satisfacción. Un canto a las cosas sencillas. Una manera de entender la vida (alejada de la permanente búsqueda de reconocimiento que caracteriza a la sociedad actual) y sentirse pleno persiguiendo sueños por mucho que puedan parecer inalcanzables.

Paterson, hombre de pocas palabras, escucha a los viajeros mientras conduce, sonríe con sus historias y las utiliza como fuente de inspiración para sus escritos. Aprovecha los breves descansos laborales para transformar en poesía los objetos, lugares y personas que pueblan su mundo.

La vehemencia y entusiasmo de Laura, su esposa, que vive en una permanente ebullición creativa (siempre en blanco y negro) que se refleja en toda la casa (cuadros, cortinas, cupcakes), contrasta con la serenidad y hermetismo de Paterson. No obstante, son la pareja perfecta. Ella, una continua riada de proyectos e ilusiones que externaliza sin ningún rubor y con una energía contagiosa; él, un huracán de pensamientos y reflexiones que nutren un mundo íntimo que solo ve la luz a través de las líneas escritas en el cuaderno que siempre lo acompaña.

Y no hay que olvidar a Marvin, tercer miembro de la familia, un bulldog francés en guerra permanente, más o menos soterrada, con Paterson por el control del territorio y la atención de la dueña de la casa. El perro (que tiene muy mala leche) goza de tanto protagonismo como la pareja. De hecho algunas de las situaciones más hilarantes, que las hay, nacen de sus gruñidos o sus patas. 

Con las parejas de gemelos (cuyo significado no entendí), la preciosa cascada frente a la cual Paterson, el conductor, suele sentarse para pensar, y los excéntricos personajes que lo acompañan, Paterson, la película, tan absurda como entrañable, es un sueño que te acaba envolviendo.

Para finalizar, un poema de William Carlos Williams, de quien Paterson aprendió a renegar de lo abstracto y a mostrar, no a explicar, cosas, sentimientos y personas:

Matrimonio

Tan diferentes, 

este hombre 

y esta mujer: 

un arroyo fluye

en la llanura.

Reseña publicada en DCLM y en CLM-24.

VIAJE A LA ALCARRIA

Primer día: alojamiento en el Real Balneario Carlos III:
Un agradable paseo, bordeando el rio...

...y llegamos a Trillo.

El precioso puente sobre el río Tajo, de un solo ojo y origen medieval:


Segundo día: tomamos la carretera en dirección a La Puerta y llegamos a Viana de Mondejar:

Iglesia de la Asunción de Nuestra Señora (siglo XII-XIII), en la que destaca la portada de origen románico:

Excursión hasta las Tetas de Viana (muchos las ven, pero pocos las maman), dos cerros de 1.145 metros de altura, formados por un cuerpo arcilloso común y dos cimas de roca caliza de pared casi vertical:

Cifuentes ("Al mediodía los amigos entran en Cifuentes, un pueblo hermoso, alegre, con mucha agua, con mujeres de ojos negros y profundos, con comercios bien surtidos...")

Allí nació una famosa princesa:

La plaza triangular:

Iglesia de San Salvador(Siglo XIII), mezcla de estilo románico, gótico, renacentista y barroco..


El molino y la balsa:

El castillo (rodeado por una valla, no se puede entrar):

Vista del pueblo desde el castillo:

Tercer día: "Brihuega tiene un color gris azulado, como de humo de cigarro puro. Parece una ciudad antigua, con mucha piedra, con casas bien construídas y árboles corpulentos..."

La preciosa Fuente de los Doce Caños:

La Plaza del Coso:

Iglesia de San Felipe, la más bellas de Brihuega:




Puerta de la Cadena y parte de la muralla:

Comida en el Hostal Bar-Restaurante El Torreón, donde gustaba alojarse Don Camilo...

... buena comida y mejor trato:

Un maravilloso viaje por un espectacular paisaje cuya tranquilidad únicamente perturba la presencia de dos humeantes chimeneas que preferiría no estuvieran allí. 

Esta es mi particular visión de la imponente, silenciosa, casi amenazadora, Central Nuclear de Trillo:

"La Alcarria es un hermoso país

al que la gente no le da la gana ir.

Yo anduve por él unos días y me gustó"

A mí. al igual que a Cela, me ha gustado ese hermoso país al que, sin duda, me volverá a dar la gana de ir....

Historia de una pasión. La vida de Emily Dickinson

Excelente guión, interpretaciones, fotografía y dirección en esta gran película

Historia de una pasión (A quiet passion) es una reciente película británico-americana dirigida por Terence Davies. Este director inglés es conocido por películas como “La casa de la alegría (2000)”, “Un profundo mar azul” (2011), o la reciente “Sunset song” (2015).

http://www.elconfidencial.com/cultura/cine/2016-07-22/estreno-sunset-sog-terence-davies_1236702/

Historia de una pasión mantiene la línea de este director, interesado en historias dramáticas protagonizadas por mujeres, y esta vez se centra en narrar la vida de la famosa escritora americana Emily Dickinson (Amherst, Massachussets (1830-1886). Dickinson hoy en día está considerada como una de las grandes poetisas americanas, pero el reconocimiento le llegó demasiado tarde. Tras cursar sus estudios en un estricto ambiente puritano, regresó a su casa familiar en Amherst, donde llevó una vida reservada, especialmente en sus últimos años, en los que se recluyó en su habitación. El mundo exterior le llegaba a través de las escasas visitas de amigos y familiares, o de las noticias de la terrible Guerra civil que asoló los EE.UU. aquellos años.

Emiliy reflejó su agitada vida interior en casi 1.800 poemas, pero por desgracia apenas pudo publicar unos cuantos. Su estilo moderno para la época no era apreciado por los editores. Los pocos que publicaron fueron modificados sin su consentimiento. Tras su muerte, su hermana Lavinia, muy próxima a su hermana toda su vida, recopiló todos sus poemas, que fueron publicados finalmente en 1890, pero todavía con modificaciones, y sin reflejar un orden cronológico.

La película recoge de una manera exquisita los conflictos y las intensas y reprimidas pasiones de la poetisa. La primera parte de su vida todavía contiene momentos de humor, amistad y amor familiar, pero su carácter se irá amargando progresivamente, con las decepciones, la enfermedad y el envejecimiento, en un entorno opresivo y hostil hacia las mujeres. Hay distintas teorías sobre un profundo enamoramiento de Dickinson. La película se inclina por una de ellas, pero en realidad no está claro.

https://es.wikipedia.org/wiki/Emily_Dickinson

Desde el principio, Dickinson va reflejando su preocupación por la muerte y la trascendencia en sus poemas. Algunos de ellos aparecen en la película, completando así la excelente interpretación de la neoyorkina Cynthia Nixon, famosa por su papel como Miranda Hobbes en Sexo en Nueva York. La sensibilidad y la fuerza interior que transmite esta actriz es asombrosa, y como comenta el crítico del Mundo, ¿por qué no ha rodado más cine esta mujer?

http://metropoli.elmundo.es/cine/2016/10/06/57f4ed37ca47417d3a8b45ca.html

http://cultura.elpais.com/cultura/2016/10/06/actualidad/1475713775_968351.html

Aunque sólo fuera por contribuir a divulgar la obra de Dickinson, esta película merecería la pena. Pero es que además es una obra maestra en si misma. Finalmente, recogemos su poema "Because I could not stop for Death (479)", incluido en la película, muy apropiado para reflejar su propia muerte a los 56 años.

Because I could not stop for Death –

He kindly stopped for me – 

The Carriage held but just Ourselves – 

And Immortality.

We slowly drove – He knew no haste

And I had put away

My labor and my leisure too,

For His Civility –

We passed the School, where Children strove

At Recess – in the Ring – 

We passed the Fields of Gazing Grain – 

We passed the Setting Sun –

Or rather – He passed us –

The Dews drew quivering and chill –

For only Gossamer, my Gown –

My Tippet – only Tulle –

We paused before a House that seemed

A Swelling of the Ground –

The Roof was scarcely visible –

The Cornice – in the Ground –

Since then – ‘tis Centuries – and yet

Feels shorter than the Day

I first surmised the Horses’ Heads

Were toward Eternity –

https://www.poets.org/poetsorg/poem/because-i-could-not-stop-death-479

Hasta el último hombre

“No permitáis que la ambición se burle del esfuerzo útil de ellos,

de sus sencillas alegrías y oscuro destino;

ni que la grandeza escuche, con desdeñosa sonrisa,

los cortos y sencillos hechos de los pobres.

El alarde de la heráldica, la pompa del poder y todo el esplendor, toda la abundancia que da, espera igual que lo hace la hora inevitable.

Los senderos de gloria no conducen sino a la tumba”, Thomas Gray (1716-1771)

Esta es una historia basada en hechos reales. Años 40. El joven Desmond Doss, con una infancia violenta a causa del alcoholismo de su padre, veterano de la Gran Guerra, sueña con ser médico. Cuando estalla la II Guerra Mundial, pese a sus fuertes convicciones religiosas, su sentido del deber le empuja a alistarse en el ejército. Participó, sin tocar un arma, en la Batalla de Okinawa y se convirtió en el primer objetor de conciencia estadounidense en recibir (por salvar vidas no por quitarlas) la Medalla de Honor del Congreso.

Aunque preferiría que no fuera así, la guerra continúa siendo una fuente inagotable de inspiración cinematográfica. El género bélico no solo goza de buena salud, sino que cuenta con un público fiel e incondicional, masculino en su mayoría (la guerra es cosa de hombres), a quien no parece afectar demasiado frases como la de Herodoto que uno de los soldados pronuncia en la película: “En la paz, los hijos entierran a los padres; la guerra altera el orden de la naturaleza y hace que los padres entierren a sus hijos”.

¿Por qué fui a verla? Aparte de por el reconocimiento, casi unánime, de la critica a la labor de Mel Gibson, creí que al tratarse de la biografía de un objetor de conciencia sería una película antibelicista. Pero aviso, no lo es, no lo es en absoluto.

El gusto del actor australiano por la lucha, la crueldad y la sangre, rayano en lo gore, no es ninguna novedad. Gibson se ha encargado muy mucho de dejarlo patente en algunas de las películas que ha dirigido, como Braveheart, Apocalypto y, sobre todo, La Pasión de Cristo que por sus cruentas escenas levantó numerosas protestas y fue calificada por la comunidad judía de antisemita.

Así, a la primera parte, algo bucólica y naif, en la que Doss conoce a la enfermera que se convertirá en su esposa (deliciosa Teresa Palmer) , le sigue otra caracterizada por la brutalidad a la que, una vez enrolado, es sometido para que renuncie a sus valores individuales y asuma los del grupo. A continuación viene la parte más intensa y salvaje de Hasta el último hombre, la batalla, en la que Gibson, en aras de un mayor realismo, no escatima en mostrarnos disparos, explosiones, bayonetazos, arterias seccionadas que escupen sangre, cabezas reventadas, miembros arrancados de cuajo y hombres aterrorizados que gritan mientras intentan sujetarse las tripas que se les desparraman por el suelo. ¡Y logra ese realismo, vaya si lo logra!

Efectos especiales aparte, el mérito de esta película no se debe únicamente a la magnifica interpretación de Andrew Garfield, sino también al nutrido grupo de secundarios de lujo que lo acompañan (Hugo Weaving como el padre alcohólico del sargento Doss, Vince Vaughn, recuperado para la causa desde su inolvidable interpretación del mafioso Frank Semyon de True Detective II, como el sargento Howell o Luke Bracey en la piel del soldado Smitty Ryker) y dejan huella en la retina y corazón del espectador.

¿Quieren saber si me gustó? A ver, entiendo que es una buena película de guerra. Un auténtico delirio visual de violencia y muerte que tiene como trasfondo la lucha por defender aquello en lo que crees.

Pero, como antibelicista convencida, la única película de guerra que pienso recomendarles, ahora que Kirk Douglas acaba de cumplir 100 años, es Paths of Glory (Senderos de Gloria) de Stanley Kubrick: “No hay nada como fusilar unos pocos para levantar la moral de la tropa”.

Decidan ustedes.

Esta crítica ha sido publicada en CLM-24.